La musa descuidada

Por qué la música es un arte liberal esencial

Por Peter Kalkavage

"La música y el ritmo encuentran su camino en los lugares secretos del alma".

-Platón

La música trasciende las aulas, los escenarios y las grabaciones profesionales. Impregna la vida. La humanidad la ha utilizado desde tiempos inmemoriales de diversas maneras: para celebrar, lamentarse, bailar, rezar, calmar o excitar, seducir, infundir valor y aterrorizar al enemigo, conmemorar, unir a una comunidad. Incluso las sociedades más primitivas son plenamente conscientes del poder de la música, y diversos mitos de culturas de todo el mundo confieren a la música y a los músicos un significado elevado, incluso divino. En algunos mitos, especialmente en el Timeo de Platón , el mundo surge del poder compositivo de un dios músico.

Que la música es una parte vibrante de la vida es especialmente clara en el caso de los jóvenes. La mayoría de los jóvenes aprecian su música favorita como su amigo más íntimo y su refugio absoluto contra el cuidado y el estrés. Cuando envejecemos, la música está inevitablemente ligada a la nostalgia. Las personas mayores solo tenemos que escuchar una canción de nuestra juventud para ser transportados mágicamente, como por un aroma familiar, a un tiempo, lugar, yo o amor anterior. La música no solo suena: lanza un hechizo y evoca mundos. La música no es una mera adición a la vida humana, no es un accidente histórico que bien podría nunca haber sido, sino una parte esencial de quiénes somos como seres humanos.

¿Por qué deberían los jóvenes estudiar música? Una respuesta surge de lo que he expuesto hasta ahora: la música ocupa un lugar central en la vida de los jóvenes. Para muchos, la música es su vida. Por lo tanto, enseñar música a los jóvenes va mucho más allá de transmitir información histórica y datos técnicos, o de ayudar a los estudiantes a desarrollar su talento musical. Va más allá del esfuerzo por lograr que sean competentes y estéticamente refinados. Al motivar a los jóvenes a estudiar música seriamente, les brindamos la oportunidad de conocerse mejor, al tomar mayor conciencia del asombroso poder que la música ejerce sobre ellos. Además, como veremos, les brindamos la oportunidad de profundizar su conocimiento del mundo natural —y de nuestra conexión con él— al comprender mejor el orden matemático que subyace a la música.

Escuchando y cantando

En mis tres décadas en el St. John's College en Annapolis, Maryland, donde se requiere que todos los estudiantes estudien música durante dos años, he aprendido que los estudiantes no pueden participar en un aprendizaje musical sustantivo sin una experiencia musical real. Tal experiencia toma dos formas: escuchar y hacer música.

Escuchar es un requisito obvio, pero es más difícil de lo que parece. ¿Qué deberían escuchar los estudiantes en sus clases de música y en qué deberían fijarse ? Deberíamos, ante todo, exponer a nuestros estudiantes a la gran música de la tradición clásica (por ejemplo, obras de Bach, Mozart, Beethoven, etc.) y luego a otros ejemplos de gran música (por ejemplo, canciones folclóricas, blues y jazz); ampliar sus horizontes, como se suele decir. Pero cómo hacerlo es difícil. Tiene sentido empezar con obras clásicas que sean atractivas y relativamente cortas. Para la música instrumental, los movimientos individuales de sinfonías, sonatas para piano y cuartetos de cuerda funcionan bien. Quizás lo mejor para empezar a escuchar es simplemente que las obras musicales tienen un principio, un desarrollo y un final. Los estudiantes pueden escuchar una pieza varias veces, prestando atención cada vez a algún aspecto particular de la obra: un tema recurrente, un ritmo, un momento de mayor tensión, etc.

Pero escuchar por sí solo no basta. Los estudiantes, al cantar o tocar un instrumento, deben comprender que la música no son los símbolos en la partitura, del mismo modo que un poema no es la palabra escrita. La música y el poema solo adquieren su esencia al ser interpretados. El objeto del estudio musical no es el símbolo escrito, sino el acontecimiento musical: el fenómeno vivo, para el cual la partitura es solo la receta. Más que nada, cantar da vida a la música y supera la pasividad que suele acompañar al acto de escuchar. Al cantar, los estudiantes son el instrumento y la música. Lo más importante aquí no es que canten bien, sino que se esfuercen al máximo. Al interpretar grandes obras corales, aunque sea de forma imperfecta, los estudiantes experimentan uno de los placeres más humanizadores de la vida: el de cooperar con otros en el intento de formar un todo bello que es más que la suma de sus partes. Así, los estudiantes alcanzan en el sonido el ideal de una comunidad humana perfecta: una amistad perfecta que preserva las diferencias pero las armoniza. Cantar es trascender el aislamiento y la vaguedad del individualismo. Tal trascendencia es uno de los mayores dones de una auténtica educación liberal.

La conexión de la música con las matemáticas y la naturaleza

La música, asombrosa por su poder sobre nuestras emociones y carácter, es aún más asombrosa por su eminente capacidad de estudio . Tradicionalmente, la música es una de las siete llamadas "artes liberales". El término "liberal", en este contexto, no tiene nada que ver con su uso político actual. No es sinónimo de "progresista". Más bien, deriva del latín " liber" , que significa libre, y se asocia mejor con palabras como "liberar". Las artes liberales constituyen el conocimiento que las personas libres necesitan para guiar sus decisiones en el hogar, en el trabajo, como vecinos y como ciudadanos. El sistema de las siete artes liberales se desarrolló y enseñó por primera vez en la Edad Media y ha seguido influyendo notablemente en la educación hasta nuestros días. Las artes liberales se dividen en un trivium (que en latín significa "tres caminos") y un quadrivium (que significa "cuatro caminos"). El trivium comprende las artes de la gramática, la lógica y la retórica; el quadrivium comprende las artes de la aritmética, la geometría, la astronomía y la música. La primera desarrolla las artes del lenguaje, la segunda las artes de la medición. Juntas, proporcionan un modelo para la llamada "educación liberal", cuyo fin no es formar un profesional con formación técnica, sino un ser humano culto.

Como arte cuadrivial, la música tiene una ubicación exaltada que señala el vínculo reconocido desde hace mucho tiempo que la música tiene con el número y la naturaleza, y lo distingue claramente de las artes visuales. La conexión entre la música y las matemáticas fue establecida por el legendario griego Pitágoras. Pitágoras descubrió que los intervalos musicales más utilizados (y más cantables) tenían contrapartidas matemáticas inteligibles.

Usemos la octava como ejemplo. Para el músico, las notas que están separadas por una octava son iguales: la única diferencia es que una es más alta o más baja que la otra. La ciencia moderna nos dice que una octava es un intervalo musical en el que una nota tiene el doble o la mitad de la frecuencia de otra nota; si una nota tiene una frecuencia de 400 Hz (hertz o ciclos por segundo), la nota una octava por encima de ella tiene una frecuencia de 800 Hz y la nota una octava debajo tiene una frecuencia de 200 Hz. Entonces, la relación para una octava es 2: 1.

Pitágoras descubrió esta conexión sin conocer las frecuencias: simplemente dividió una cuerda por la mitad y, para su asombro, escuchó que esta división producía la octava. Del mismo modo, descubrió que cuando una cuerda tiene dos tercios de la longitud de otra, produce una nota más aguda que se ajusta a otro intervalo musical común: una quinta justa (el primer intervalo melódico de "Estrellita, ¿dónde estás?"). Este descubrimiento —que las notas que suenan bien juntas pueden representarse matemáticamente con proporciones de números enteros pequeños— tuvo un gran alcance; sugería que la buena música no era solo una cuestión de gusto y convención, sino que se basaba en la naturaleza misma del universo físico, lo que podría explicar por qué los humanos respondemos a ella. Nuestra experiencia sensorial de la música podría ser, de hecho, una respuesta profunda, aunque inconsciente, a un orden inteligible: los intervalos musicales más comunes y fáciles de cantar podrían ser proporciones que percibimos automáticamente . Además, sugería la posibilidad de una física matemática. Si existieran proporciones numéricas precisas y detectables que influyeran en las relaciones entre notas separadas por intervalos musicales comunes, ¿no influirían también, por ejemplo, en la relación entre la distancia y el tiempo que tarda un objeto en caer al suelo?

Es fácil y divertido recrear el descubrimiento de Pitágoras experimentando con diferentes divisiones de una cuerda en un dispositivo conocido como sonómetro o "medidor de sonido". A veces se le llama monocordio porque solo se necesita una cuerda para realizar experimentos pitagóricos. Pero el dispositivo funciona mejor cuando tiene dos cuerdas: una dividida y otra sin dividir, para que pueda servir como tono de referencia. Un sonómetro es muy fácil de hacer, como descubrí cuando mi hijo y yo construimos uno para su proyecto de ciencias de la escuela secundaria. Todo lo que se necesita es una tabla gruesa, cuerdas de metal, algunos tornillos, dos pequeños puentes para sujetar las cuerdas en ambos extremos, un pequeño "puente" móvil que se usa para dividir la cuerda en varios puntos y una regla para tomar mediciones. Los estudiantes de secundaria pueden usar este sencillo instrumento musical para verificar que los intervalos musicales más comunes corresponden efectivamente a proporciones de números enteros pequeños. Pueden hacerlo de dos maneras. Una forma es medir un segmento de la cuerda que corresponda a una proporción determinada (por ejemplo, 3:2, o dos tercios de la longitud de la cuerda sin dividir), colocar el puente en su lugar y luego pulsar el segmento resultante (los dos tercios) para escuchar si suena el intervalo previsto (la quinta justa). La otra forma es que los alumnos muevan el puente debajo de la cuerda, pulsando y escuchando en cada punto, hasta que alcancen lo que suena como un intervalo determinado y luego usen una regla para determinar la proporción en la que se ha dividido la cuerda. La octava es especialmente interesante por su simplicidad y familiaridad. Sabiendo que su proporción es 2:1, los alumnos pueden dividir una cuerda exactamente por la mitad sin usar ningún instrumento de medición visual . Solo tienen que escuchar la división que canta la octava.

Este simple experimento pitagórico es un verdadero placer para los estudiantes, que invariablemente experimentan asombro por la base matemática de la música en la naturaleza. La experiencia ayuda a su aprendizaje de varias maneras. Les hace darse cuenta de que los intervalos musicales y la escala adquieren una definición precisa solo a través del poder de las matemáticas (proporciones); que el problema práctico de afinar un instrumento de cuerda como una guitarra o un piano es un problema matemático de conseguir que diferentes proporciones encajen entre sí en una escala consistente; y que la afinación que han heredado (el temperamento igual de tonos 12 en el que una octava se divide en medios pasos iguales 12) es el producto de una historia rica y compleja marcada por un ingenio increíble y un esfuerzo laborioso.

La música nos forma

Incluso aparte de esta profunda conexión con las matemáticas, la música es preeminente entre las artes por el orden y la claridad, el carácter claramente definido, de sus elementos. La música nos mueve, a veces a una emoción abrumadora. Lo hace a través de estructuras bien definidas, a través de un orden de tonos y ritmos. No es el mero sonido de la batería, sino sus golpes rítmicos lo que nos conmueve. Aquí nos encontramos con la paradoja central de la música, la paradoja que define la música como un objeto digno de asombro intelectual sostenido: la música es la unión de lo racional y lo irracional, del orden y el sentimiento.

En última instancia, al moldear los sentimientos, la música moldea al ser humano en su totalidad. Para comprender esto adecuadamente, recurrimos a los antiguos griegos, para quienes la música, lejos de ser moralmente neutral, desempeñaba un papel decisivo en la educación moral. La Política de Aristóteles concluye con una extensa discusión sobre los usos morales y políticos apropiados de la música y su efecto en las almas de los ciudadanos. En la República , Platón llama nuestra atención sobre el poder que la música ejerce sobre los jóvenes. Hace especial hincapié en el peligro de la música. La severidad de su crítica subraya lo que, en nuestro afán por excusar o defender la música, a menudo no reconocemos: que la música es un gran poder y, como todo gran poder, puede usarse para un gran bien o un gran mal. ¿Por qué la música es tan emocionalmente poderosa, mucho más poderosa que las artes visuales? Platón ofrece una posible respuesta. En la República , llama a la educación musical "la más soberana" porque el ritmo y la concordia "se hunden más que nadie en lo más profundo del alma y se aferran a ella con mayor vigor". Al experimentar la música, no la contemplamos desde la distancia, sino que la absorbemos y la incorporamos. Según Platón, algunas formas de música propician el orden del alma y el amor a la gracia y la belleza; otras, en cambio, satisfacen las pasiones más bajas y alimentan la sed de desorden y la autocomplacencia. Estudiar música como una disciplina humanística brinda a los estudiantes la oportunidad de considerar la posibilidad de que Platón tenga razón: que la música no se limita al gusto y al disfrute, sino que ejerce una poderosa influencia en nuestra identidad y en si nos ennoblecemos o nos degradamos.

Esto me lleva a la observación de que estamos formados no solo por la música, sino también por nuestras opiniones sobre la música. Es aún más importante revisar la conexión entre la música y la educación moral en una cultura como la nuestra, llena de autocomplacencia y vulgaridad. El estudio de la música como un arte liberal ofrece a los estudiantes una oportunidad más amplia de analizar sus opiniones y confrontar las causas y los efectos de sus pasiones.

Cultivando el gusto musical

Al estudiar música, buscamos cultivar el gusto de nuestros estudiantes y fomentar su aprecio por la belleza. Pero, ¿qué es la belleza? ¿Por qué decimos que un aria de La flauta mágica de Mozart o un movimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven son bellos? Si bien una definición completa de belleza escapa al alcance de este ensayo, me atreveré a hacer algunas reflexiones al respecto.

Comienzo con el viejo dicho: «La belleza está en los ojos del que la mira» (o en el oído del que la escucha). Este dicho es a la vez obviamente cierto y obviamente falso. Cierto porque la belleza existe solo en relación con un sujeto receptivo: debe parecerle bella a alguien. Falso porque el mero hecho de pensar que algo es bello no lo convierte en tal; los juicios de belleza no son relativos. Pensar que lo son confunde los juicios de mera preferencia subjetiva con los juicios de gusto estético, que siempre pretenden ser objetivos y universales. Después de todo, la belleza no es lo mismo que el placer. Así como las cosas bellas no siempre agradan de inmediato, los placeres no siempre son bellos. Podemos sentir placer en algo feo y vil. La belleza no es un sentimiento en un sujeto humano, sino una cualidad que percibimos en un objeto. La percepción viene primero, luego la respuesta emocional. La belleza puede sorprendernos. Nos impacta, nos conmueve, incluso nos transforma. Esto no sería posible si la belleza proviniera de nosotros mismos. La belleza nos educa al sacarnos de nosotros mismos. Nos obliga a trascender el interés propio y el egocentrismo. No solo contemplamos la belleza, sino que la admiramos. Al apreciar la belleza, admiramos aquello que merece ser admirado. Cultivar el gusto es, por lo tanto, cultivar el juicio. En resumen, la belleza reside en los ojos del observador culto.

Además, la belleza de una gran obra musical no siempre es evidente de inmediato. A veces lleva tiempo y entrenamiento darse cuenta de que es hermoso. Los estudiantes a menudo dicen que una pieza que no les gustó al principio se convirtió en una de sus favoritas con experiencia repetida. Su gusto cambió, no porque se hayan acostumbrado a algo que no les gusta, sino porque una cualidad inherente eventualmente se hizo evidente para ellos. Hay un dicho griego antiguo: "Las cosas bellas son difíciles". Esto es fiel a nuestra experiencia de belleza, que a veces nos llega solo si hacemos un esfuerzo para llegar a ella.

Para que la belleza sea admirada, primero debe ser reconocida. Como se mencionó en la sección anterior, existe una larga tradición que vincula la belleza con el orden, especialmente el orden matemático. El músico y matemático Edward Rothstein, en su libro Emblemas de la mente , muestra cómo las relaciones matemáticas subyacen a la belleza en la música. Escribe: «Una composición es una construcción de patrones y proporciones, similar a un argumento matemático». De hecho, relaciones como la simetría y diversos tipos de proporción son evidentes en las obras de los grandes compositores.

Pero las matemáticas, aunque hermosas por derecho propio, no pueden explicar completamente la belleza de la música. Por sí solo, no puede explicar nuestra respuesta a una aria de Mozart o una sinfonía de Beethoven. ¿Por qué estas piezas siguen atrayendo oyentes que se familiarizan con ellas en todo el mundo, no solo en Occidente? Estas piezas parecen no haber sido escritas para un país, personas o tiempo. Son universales y pertenecen a todos. Nos golpean con su asombrosa integridad y perfección. Todo parece encajar y ser coherente en un esquema cuidadosamente elaborado. El orden no es simplemente correcto sino inspirado. Con tiempo y esfuerzo, la mayoría de nosotros puede detectar las capas de orden y el equilibrio de fuerzas en acción en estas piezas: la arquitectura del conjunto. Podemos detectar cómo crecen y se mantienen las tensiones, y cómo se resuelven satisfactoriamente. Incluso podemos aprender a identificar los medios técnicos por los cuales se producen estos efectos. Escuchamos cómo se anuncia y luego se desarrolla un tema, cómo parece cobrar vida propia, ocasionalmente incluso parece que se sale de control solo para volver a la economía del conjunto musical.

La música bella nos complace y, a veces, nos desafía con su inteligencia, profundidad y complejidad. No nos agrada en el momento, sino que invita a una reexperimentación y un retorno infinitos. Cuanto más escuchamos, más oímos. Y cuanto más estudiamos la música, más razones tenemos para encontrarla bella. La música se despliega en el tiempo y exhibe un delicioso juego de fuerzas o tensiones. En la música, la cuestión de la belleza se reduce en gran medida a esta percepción de cómo las fuerzas musicales conspiran para formar un todo. ^Estas fuerzas o tensiones están presentes en las escalas mayores y menores familiares, y en los acordes de armonía. Las grandes obras musicales explotan estas tensiones al máximo. Por eso son a la vez sumamente ordenadas y emocionalmente potentes, por eso, como decimos, son bellas.

Aprendiendo de una melodía simple: Feria de Scarborough

La educación musical que apunta al conocimiento real requiere una atención cuidadosa a los elementos de la música: tonos, valores de tiempo, intervalos, etc. Los estudiantes deben aprender a leer música e identificar correctamente las notas en el personal. Poco después de este "entrenamiento básico", deberían observar de cerca cómo los elementos conspiran para formar conjuntos musicales significativos. Estos conjuntos no necesitan ser composiciones impresionantes de compositores conocidos como Bach y Mozart: exigen demasiado de una vez. Una mejor manera de comenzar es con una canción popular.

«Scarborough Fair» , la antiquísima canción folclórica popularizada por Simon and Garfunkel en los años 60, es un buen ejemplo de una melodía bella y sencilla que se presta a un análisis detallado. Con la guía y los materiales adecuados, incluso los estudiantes con menos conocimientos musicales pueden comenzar a realizar un análisis profundo y exhaustivo de esta evocadora melodía.

Uno de los problemas para lograr que los estudiantes reflexionen sobre la música es que esta nos resulta demasiado fácil. Parece estar ahí mismo, lista para nuestro disfrute inmediato. La música, por sí sola, no plantea preguntas. Una forma de generar preguntas es mediante una serie de "experimentos". Toque la melodía en el piano varias veces y pida a los estudiantes que la canten. Luego, cambie una nota y pídales que expliquen, en la medida de lo posible, cómo creen que ha cambiado el sonido y la "sensación" de la melodía. Repita esto con diferentes notas de la melodía y examine cada cambio por separado. En cada caso, pregunte: "¿Qué sucedió? ¿Cuál fue el efecto del cambio?". Cambiar una nota en una melodía —en efecto, alterar una unidad familiar— también es una buena manera de que los estudiantes tomen conciencia de que existe una unidad. Lo que hace que una melodía suene bien se revela cuando la hacemos desviarse de su camino previsto y suena "incorrecta". Los estudiantes comienzan entonces a comprender que la melodía se compone de decisiones cuidadosamente tomadas, y que un cambio en una parte es un cambio en el conjunto. Estos experimentos resultan aún más reveladores cuando alteramos el ritmo de la melodía.

A continuación, los alumnos deben explorar la relación entre las notas de la melodía y la letra . Para ello, deben tener acceso al texto completo (cuya historia es muy triste). ¿Coincide el sonido de la melodía con el significado de la letra? ¿Qué ganan las palabras al ser cantadas? ¿Resalta la melodía ciertas palabras? ¿Cómo influye el ritmo en el ambiente de la canción, el significado de la letra y la historia que cuenta?

Finalmente, los alumnos pueden componer una variación de Scarborough Fair , quizás con su propia letra. En este ejercicio (que he comprobado que funciona de maravilla en clase), los alumnos aprenden, a través de la experiencia directa, que la composición implica revisión: que ciertas elecciones musicales no funcionan, que algunas funcionan mejor que otras y, en general, que una pieza musical (al igual que un texto) se puede mejorar.

Una canción folclórica sencilla y familiar constituye en sí misma una lección de música. El análisis de melodías simples anima a los estudiantes a justificar sus sensaciones. Esto los libera de la errónea y limitante idea de que la respuesta a la belleza se basa únicamente en el sentimiento subjetivo (que la belleza es "relativa") o en la costumbre (que percibimos los eventos musicales como lo hacemos solo porque los hemos escuchado repetidamente). Revela, de forma muy específica, que el sentimiento humano es complejo, que nuestra respuesta emocional a la belleza sonora se fundamenta en una percepción del orden extraordinariamente precisa, aunque generalmente inconsciente. Del mismo modo, el análisis de melodías simples refuerza la convicción de que el análisis, por abstracto que parezca al principio, puede devolvernos a nuestra experiencia musical con un asombro renovado, una mayor sensibilidad para los detalles de un todo bello y un placer más intenso y perspicaz. Al analizar Scarborough Fair , comprendemos mejor qué debemos escuchar en esta melodía. También llegamos a entenderla mejor y, como resultado, la apreciamos aún más. Parafraseando el famoso poema de Elizabeth Barrett Browning, es como poder "contar las maneras" en que amamos a alguien.

La música como arte liberador

El estudio de la música tiene varios objetivos. Una de ellas es mejorar, a través de la educación, el gusto estético de los estudiantes: presentarles una música realmente excelente en un esfuerzo por engendrar un amor por todas las cosas elegantes y bien formadas. Como profesora de música, espero que el estudio de la música engendre en mis alumnos el hábito de buscar las causas y los detalles de las cosas bellas, y que el amor a la belleza alimente el amor al conocimiento y la verdad. A medida que los intelectos de los estudiantes se abren al poder de la música, espero que se esfuercen por imitar en su vida cotidiana las virtudes musicales de la armonía, la proporción, el buen momento, la flexibilidad o la gracia apropiadas, y "tocar la nota correcta" en pensamiento, habla, sentimiento y acción.

La música, como señalé antes, es una de las artes liberales tradicionales. Nos libera de la vulgaridad, la rigidez intelectual y la tiranía de las opiniones populares y no examinadas sobre la música y la belleza. La música hace esto al alentar el compañerismo humano (al cantar), al inspirar un amor por la belleza que trasciende la mera gratificación del deseo, al hacernos más atentos a los elementos y las causas de nuestra respuesta emocional a la belleza, y al obligarnos a probar los convencionales. opiniones contra el estándar de nuestra propia experiencia.

La música, por desgracia, es la musa descuidada de los programas educativos en todos los ámbitos, desde el jardín de infantes hasta la universidad. Una razón para esto es la incapacidad de percibir la importancia de la música en la educación de los jóvenes y en la vida humana en general. Otra es la tendencia a considerar la música como un tema "suave", por diversión o por una vaga "apreciación musical". Otra es la opinión de que la música no es básica para nuestra naturaleza humana, sino que es prerrogativa de una élite entrenada o talentosa, algo que solo aquellos con el potencial de ser músicos profesionales necesitan estudiar. Me he esforzado por demostrar que nada de esto es cierto.

Si se estudia como un arte liberal (es decir, para que el estudiante se vuelva más curioso y reflexivo y más consciente del poder de la música) en lugar de como un arte fino (es decir, para que el estudiante se convierta en músico), la música atrae a los estudiantes mirar más allá de las distinciones superficiales para buscar armonías o vínculos profundos y subyacentes entre cosas aparentemente remotas. En la amplitud de su dominio, en su unión de lo matemático y lo poético, y en su participación de todo el ser humano (cuerpo, corazón y mente), la música es un arte liberador esencial.

Peter Kalkavage ha sido tutor en el St. John's College de Annapolis, Maryland, desde 1977. Es director del Coro de St. John's, autor de varios ensayos publicados sobre Platón, Dante y Hegel, y ha editado el Timeo de Platón para Focus Philosophical Library. También es autor de dos textos utilizados en el programa de música de St. John's: « On the Measurement of Tones» y «Elements: A Workbook for Freshman Music» . Este artículo se basa en «The Neglected Muse: Reflections on Music as a Liberating Art», que escribió para Basic Education , vol. 47 (2).

*Es interesante observar que la palabra griega para bello ( kalos ) también significa noble, al igual que la palabra para feo ( aischros ) también significa vil. ( volver al artículo )

^† Para un análisis del tratamiento de los tonos como fuerzas, véase El sentido de la música, de Victor Zuckerkandl, Princeton University Press, 1959. ( volver al artículo )